Escultura de siglo XX

Ernesto Ballesteros Arranz

• Editorial: Hiares
• Año: 2015
• Edición: 1
• ISBN del libro electrónico:
  9788416014231
• Categoría: Arte
• Categoría: Arte general

eBook Interactivo. La agitación socioeconómica provoca una reacción escultórica contra los estilos anteriores dando lugar a un nuevo naturalismo que busca de nuevo su inspiración en el clasicismo renacentista. Rodin es el autor más representativo de este nuevo estilo, pero hay muchos otros autores, como se puede ver en esta breve colección que ahora les presentamos.

LA ESCULTURA NUEVA

Dos tendencias se pueden señalar más acusadamente en la escultura contemporánea: Una tiende hacia lo abstracto, otra dirige sus flechas hacia el blanco surrealista.

Ya hemos visto en la escultura cubista cierta tendencia hacia la abstracción, sobre todo en Chana Orloff, escultora de la que no hemos hablado anteriormente, pero que ahora conviene mencionar porque sus obras son auténticamente abstractas, sobre todo los monumentos dedicados a Israel. Bien es cierto que se trata de una abstracción precoz e insuficiente. En sus Maternidades hay mucho de sensualismo figurativo.

También hemos visto como Zadkine y Lipchitz rozaban tenuemente la cáscara de la abstracción, aunque prefirieron casi siempre quedarse en el símbolo de ascendencia geométrica y cubista.

Otros artistas naturalistas también han caminado por las sendas de la abstracción, preparando la llegada de la escultura abstracta. Entre ellos, Couturier, discípulo de Maillol, que ha estilizado sus figuras hasta un punto extremo.

Como en todos los demás campos artísticos, tuvo mucha importancia el descubrimiento de obras primitivas, africanas, oceánicas y, en este caso concreto, el hallazgo de estatuas de bronce de Cerdeña, que mostraban cierto superficial parecido con los modelos que proponían los nuevos escultores. Giacometti, sobre todo, tuvo una inspiración muy acusada en estas obras del Bronce mediterráneo, que causaron en él una impresión fascinante.

Albert Giacometti nació en Stampa (Suiza), en 1901. Sus primeros años de juventud los pasa en Suiza e Italia, dedicados sobre todo a la pintura. En 1922 lo encontramos en París, trabajando con Bourdelle en la Grande Chaumière. Consigue hacer sus primeras obras, de estilo cubista. En 1930, su inquieto espíritu le mueve hacia el surrealismo. De 1932 data su famosa obra «Le Doigt pris», realizada con madera y metal en una fusión muy conseguida. De 1934 son algunas obras de yeso, como «Las Manos apretando el Vacío», o «Mujer que anda». En la década del 40, concretamente a partir de 1914, nacen sus personajes más característicos, largos y delgados, estilizados, casi sublimes, que están cargados de gran expresividad simbólica (FIG. 19). De 1948 es «La City Square», una de sus obras más conocidas y apreciadas. Cinco personajes se mueven sobre una placa de bronce, creando un ambiente fantasmagórico, irreal, pero al mismo tiempo intensamente plástico y vivencial. No sólo es una vivencia del artista, sino que comunica al espectador reflejos o porciones de esa vivencia. La exposición de la década del 50 en la Galería Maeght se recuerda como un gran acontecimiento en la escultura de nuestro tiempo.

Giacometti, en sus estilizadas estructuras finales, lo mismo que en su período cubista o surrealista, anteriores, ha intentado desembarazarse por todos los medios de la envoltura de carne que rodea al hombre. Pretende expresar la realidad humana, que no es en ningún caso el cuerpo que obliga al hombre a una prisión estrecha dentro de su contorno (FIG. 20). Algún crítico ha denunciando que las esculturas de Giacometti, más que humanidades son arácnidos. No es cierto; lo que ocurre es que para expresar la angustia humana, la vivencia existecial, Giacometti ha recurrido a la estilización infinitesimal, llevada a su extremo límite.

Otra escultora de este momento es Germaine Richier, nacida en Grans (Francia), en 1904. Hizo sus primeros estudios artísticos en la Escuela de Bellas Artes de Montpellier, bajo el consejo de un discípulo de Rodin, llamado Guigues.

En 1925 se traslada a París, donde trabaja con Bourdelle. A partir de 1929 posee un taller independiente en la Avenida del Maine. En 1936 recibe el premio Blumenthal de escultura. De 1939 a 1945 reparte su trabajo entre Suiza y el sur de Francia. En 1944 hace su «Hombre -fôret», y dos años más tarde su «Mantis religiosa». En 1947 expone en Londres, y en 1948 en la Galería Maeght, de París. En esta última exposición muestra su famosa obra «L’Orage» (FIG. 21). En 1951 recibe el premio de escultura de la Bienal de Säo Paulo. En esta década de los 50 expone en muchas galerías europeas y americanas. En 1956 hace una exposición retrospectiva general de su obra en el Museo Nacional de Arte Moderno de París. Muere en Montpellier, en 1959.

Artista provenzal, Richier no olvida el cálido encanto de la tierra mediterránea, la atracción de Maillol y de otros artistas meridionales. Las figuras de la Richier son poderosas, amenazadoras, vacías. No sólo encuentra formas de expresión nuevas, que desbordan los límites convencionales; también dice cosas nuevas, no dichas anteriormente, desde la tribuna escultórica. Evoca la unidad panteísta de las formas naturales. En su obra, las piedras se hermanan con los animales y los vegetales con los hombres, en una especie de maridaje fantástico y vigoroso. Mitos y misterios religiosos pasean ante nuestra vista de una forma desnuda, convincente, y en algunos casos, como en «L’Orage», arrolladora.

Georges Adam es un espíritu ingenioso y polifacético. Se ha dedicado al grabado y la tapicería, pero sus obras más importantes son escultóricas. En este arte consigue calidades perfectas, grandes planos y poderosos volúmenes, conjugados sabia y pacientemente (FIG. 22). Sus esculturas son obra de una reflexión inacabada y gigantesca: grandes síntesis de los problemas humanos. Georges Adam es una figura sorprendente, capaz d e provocar las emociones más intensas en las sensibilidades menos dotadas.

Debemos mencionar, igualmente, en esta línea de artistas espectaculares e innovadores, que no se dejan encasillar en ninguna tendencia determinada, la obra de César Domela, que se adhirió al Stijl holandés con Mondrian y Van Doesburg durante algún tiempo. Primero practicó la pintura, pero pronto se sintió incómodo dentro de los limites que le imponían el lienzo y las manchas de color y se decidió a emplear diversos materiales: cartón, plástico, marfil, latón, hierro, etc., en un intento de superar la antigua barrera entre escultura y pintura. Sus obras están siempre navegando entre dos niveles. No se pueden encuadrar en uno ni otro. Juega con las formas y el color, al mismo tie...

Índice

• LA ESCULTURA CLASICISTA
• LA ESCULTURA CUBISTA
• LA ESCULTURA FUTURISTA
• EXPRESIONISMO ALEMÁN
• LA ESCULTURA RUSA DE VANGUARDIA
• EL NEOPLASTICISMO DE STIJL
• EL EXPRESIONISMO BELGA
• LA ESCULTURA NUEVA
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